Tous les mois, l’Institut finlandais met en lumière des personnes dont le travail marque la Finlande et la France. Allant au-delà de ce que les yeux témoignent, le regard observateur d’Osma Harvilahti, un photographe finlandais basé à Paris, nous aide à voir les compositions qui nous entourent et leur sens, ainsi proposant plus qu’une seule possible fin pour l’histoire. Osma a partagé avec nous sa vision sur l’importance de pratiques collaboratives et la lumière parisienne pour son travail, ainsi que sa vie vagabonde en transformation.

Venant d’Helsinki à l’origine, vous avez déménagé à Paris il y a trois ans. Que considérez-vous comme la principale différence entre les deux villes, surtout en ce qui concerne l’impact que ces villes ont sur votre pratique créative ?

Après les trois premières années passées à Paris, j’apprécie de plus en plus le format de collaboration avec d’autres artistes dans le cadre de mon travail. Le domaine de la photographie est vraiment compétitif à Paris et à Londres, et cela fait du bien d’essayer de soutenir et de travailler avec les autres autant que possible. Il y a de plus en plus de photographes, de stylistes, de scénographes et d’autres artistes qui déménagent à Paris en ce moment, quelque chose qui rend la ville et la vie à Paris encore plus intéressant en ce moment.

J’ai l’impression qu’ici mon sens du temps est différent, et cela représente pour moi une différence importante entre les deux villes. Il y a tellement de choses qui se passent ici, et vivre et travailler à travers la mode et l’édition avec leurs rythmes plus soutenus, ont un effet de plus, sorte que le temps s’écoule plus vite. J’essaie de visiter Helsinki plus souvent maintenant et ce genre de dynamique crée un bon équilibre avec mon travail à Paris. En France, la quantité de lumière et l’hiver court sont également des choses très positives pour moi.

L’importance de la lumière est mise en valeur dans votre travail, avec des compositions de couleurs et de formes subtiles. Au-delà de ces éléments lucides, on peut également y trouver un engagement avec l’environnement et les thèmes actuels à travers un processus de sélection subjectif. En tant que support, comment voyez-vous que la photographie permettant de combiner ces deux aspects ?

Le fait de vivre à Paris a changé la façon dont je photographie, et aussi ce que je considère important lorsque je travaille sur mes projets personnels. Quand j’étais encore à Helsinki, je voyageais tout le temps aussi loin que possible pour me retrouver dans un environnement inconnu et qui m’offrirait du matériel pour travailler avec. Je ramènerai ensuite ces idées et thèmes à Helsinki avec moi, et les utiliserai pour produire de nouveaux corpus et éditoriaux. Maintenant que je suis à Paris, je n’ai pas besoin de voyager autant. Le changement d’arrondissement peut suffire à trouver quelque chose d’intéressant et d’inattendu. J’ai toujours été fasciné à documenter mon environnement et à chercher des choses qui résonnent dans la vie de tous les jours. Ma formation est en sciences sociales et sociologie de la mode : il est tellement fascinant de voir comment les gens s’habillent et trouvent toutes sortes de solutions improvisées pour faciliter leur vie et qui sont ensuite partagées et mutuellement acceptées dans les communautés. Mon intérêt principal pour la photographie est toujours dans le social, ayant une chance de travailler et de rencontrer des gens, de faire des observations du quotidien et parfois de brouiller la ligne entre ce qui pourrait être décrit comme « réel » et arrangé.

Comment vous-êtes vous retrouvé dans la photographie ? Comment votre relation avec celle-là a-t-elle changé et s’est-elle développée au fil des années ?

Devenir photographe était la chose la plus naturelle pour moi. L’appareil photo a remplacé les instruments de musique et les skateboards au début de ma vingtaine et j’ai continué à photographier comme un hobby tout en travaillant et en étudiant à Helsinki. Le point tournant était un stage que j’ai effectué dans une galerie d’art à New York en 2011, cela m’a vraiment fait penser que je devrais poursuivre la photographie plus sérieusement. Je pouvais voir comment la photographie rendait le monde plus petit et avait tellement de possibilités et d’excuses positives à offrir en termes de rencontres et pour pouvoir voyager dans des divers endroits. Je suis devenu accro à ce sentiment de laisser aller le rythme de vie ordinaire et d’être toujours en mouvement. Ce qui a changé, c’est que maintenant je réserve plus de temps et de ressources pour chaque projet individuel sur lequel je décide de commencer à travailler. Je développe de nouvelles façons d’utiliser mes études comme matériel pour ma photographie et de me mettre au défi d’incorporer nouvelles méthodes de collaboration à mon processus de travail.

Comment voyez-vous le monde ? Considérez-vous la photographie comme un moyen de créer quelque chose de nouveau ou plutôt comme un moyen de découvrir quelque chose qui existe déjà – pour rediriger notre attention ?

La photographie est certainement un moyen d’atteindre et de se connecter avec le monde, de rencontrer des gens et d’apprendre, tout en ayant l’opportunité de voyager. L’appareil photo est à la fois un instrument mécanique et une excuse, un certain atout psychologique qui permet d’intervenir dans différents rôles culturellement approuvés ou refusés. Sur le plan personnel, la photographie peut sûrement briser les barrières et nous éduquer de plusieurs façons. Il s’agit toujours d’inclure quelque chose dans un plan ou un corpus de travail, et de cette façon modifier et encadrer la « réalité », de sorte que le photographe apparaît comme une sorte de curateur qui décide quels types de représentations et de nuances à inclure, ce qui a toujours le pouvoir de changer notre façon de voir les choses.

Vous faites également partie de The Community, un espace d’art collectif et un projet multidisciplinaire. Dans le cadre de ce projet, vous avez également organisé des expositions de photographie, développant ainsi le dialogue et les pratiques de collaboration parmi d’autres photographes. Comment cette expérience s’est révélée ? L’aspect multidisciplinaire du projet a-t-il changé votre regard sur d’autres pratiques ?

Avoir la chance de travailler à The Community en tant que directeur des projets de photographie a été jusqu’ici une expérience très spéciale dans ma vie et pour ma carrière en tant que photographe. Il y a sept ans, j’entrais dans une petite galerie d’art à New York, qui était basée sur le rapprochement de la communauté artistique locale. Cela m’a semblé inspirant de pouvoir discuter avec un étudiant en art et une star de la photo sans avoir l’habituel oppresseur d’un gros cube blanc.

Notre philosophie à The Community est également basée sur l’inclusivité, et c’est la diversité des antécédents de tous nos membres et la compréhension de sa force qui nourrit vraiment le projet. Dans ce rôle, j’ai eu l’occasion d’appliquer les diverses compétences et connaissances acquises au fil des années en tant que photographe, et de prendre mes distances avec le processus habituel qui aboutit normalement à une photographie. Paris n’est pas traditionnellement connu comme le lieu d’accès le plus facile socialement dans le monde donc cela fait du bien de voir les gens revenir et être ouverts à nos propositions de collaboration et de dialogue. Mon intérêt est de combattre cette culture égoïste liée à la photographie et à la mode en trouvant des moyens de collaborations et de les réunir sous forme de spectacles, de publications, de projets commerciaux tout en développant des relations à long terme. Cela fait du bien de réaliser qu’obtenir du soutien et être en mesure de fournir du soutien aux autres membres de notre collectif inspire mon travail personnel et rend ma pratique plus sociale et ouverte à de nouvelles approches collaboratives.

Qu’est-ce qui vous a inspiré ces derniers temps ?

Je suis toujours inspiré par la section des légumes-racines de mon épicerie locale, Le Zingam. J’ai entendu que des gens viennent de l’autre côté de Paris pour leurs fromages abordables et leurs légumes. Le manque et la couleur bleuâtre de la lumière hivernale finlandaise m’inspirent également, quelque chose que je ne voyais pas vraiment intéressante jusqu’à présent.

Pourriez-vous me parler de votre processus créatif ? Quelles sont les premières étapes à suivre pour planifier un tournage ?

Mon travail est basé sur une sorte de processus curatorial qui se déroule avant que je commence le tournage – les observations et le type d’approche documentaire tout en travaillant aussi sur des idées plus imaginaires. L’année dernière, je me suis rendu compte que je devais rassembler mes intérêts pour la danse moderne et la photographie. J’ai été envoyé en Afrique du Sud pour travailler sur un projet éditorial et j’ai compris que c’était une excellente occasion d’y passer plus de temps et de me connecter avec une institution de danse du Cap. Pendant le projet, j’ai passé plusieurs matinées à discuter avec le directeur de la compagnie de danse afin de comprendre le contexte et le sens de la danse dans la communauté locale. À travers la conversation, l’idée originale de mon projet a changé en se développant plus sur le pouvoir de la danse aidant les jeunes vivant dans le canton de Gugulethu à se mettre au défi et à trouver une passion pour les conduire vers l’avant. Grâce à des expériences et des réunions, le projet et son objectif ont évolué pendant que j’essayais de suivre les gens excités et de prendre des notes sur ce qui semblait être le plus pertinent. Idéalement, il y a toujours une chance de passer du temps avec le sujet et de voir comment les choses se passent quand le temps passe. Tout en travaillant sur des projets éditoriaux, déterminer les cadres techniques et visuels et les possibilités au tout début semble important puisque généralement il n’y a pas assez de temps pour aller quelque part et trouver les conditions désirées. Mon travail éditorial est souvent inspiré par des choses que j’ai vues en voyage, de la musique que j’écoute et des scénarios quotidiens dont je suis témoin. Mon téléphone est plein de notes abstraites basées sur des idées, des rêves et des interactions de personnes. J’utilise ces notes pour produire des moodboards et des récits pour des histoires.

Quel a été le projet le plus drôle à travailler jusqu’à présent ?

L’année dernière, pendant quelques mois, j’étais responsable de tout contenu des médias sociaux d’Hermès, voyageant d’un continent à l’autre en suivant leur équipe pour des défilés de mode et des événements. Bien que ce fût l’un des projets commerciaux les plus intéressants et les plus stimulants auxquels j’ai participé, lors d’un des événements, j’ai voulu présenter une vidéo d’un prestigieux cheval de bois traité à l’huile par un employé de magasin de Barcelone. La vidéo a été publiée pour les yeux de 5 millions followers d’Instagram et a gagné beaucoup d’attention : son champ de commentaires se remplit de notes sur le mouvement de la main lisse du vendeur. Il s’est avéré que j’ai causé un mini scandale sexuel de cheval et la vidéo a été rapidement enlevée comme contenu explicite.

Quelle est la prochaine étape pour vous ? Où aimeriez-vous vous voir dans le futur ?

Dernièrement, j’ai été plus concentré à travailler sur de nouveaux livres et du travail personnel, et je suis impatient à l’idée d’en publier une partie cette année. Deux des projets qui sont actuellement au début de la production sont basés sur le travail avec des artistes issus d’autres domaines : il me semble donc que tout soit question de collaboration et de mise à l’épreuve des limites de la photographie telle qu’elle est traditionnellement connue. J’ai l’impression que Paris est un endroit plutôt agréable à vivre, alors j’aimerais me voir ici un peu plus longtemps.

Images © Osma Harvilahti

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